Artikels

Aulos spelers en dansers

Aulos spelers en dansers



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


10 grootste dansers van die twintigste eeu

Die kuns van dans is 'n unieke uitdrukkingsvorm, met 'n universele lyftaal wat almal verstaan. Van ballet tot kontemporêr, van hip-hop tot salsa en van oosters tot flamenco, dans geniet beslis die afgelope tyd iets van 'n renaissance.

Maar wat het die beste bewegings as dit kom by individuele dansers? Die grootste sterkte, krag en treffendheid? Hierdie lys toon tien van die grootste dansers van die twintigste eeu en is gekies vir hul roem, gewildheid en invloed oor die hele wêreld.

Vaslav Nijinsky was een van die talentvolste manlike balletdansers in die geskiedenis, miskien selfs die grootste. Ongelukkig is daar geen duidelike beeldmateriaal van sy ongelooflike talent in beweging nie, wat die belangrikste rede is waarom hy so laag in hierdie lys is.

Nijinsky was bekend om sy wonderlike vermoë om swaartekrag te trotseer met sy manjifieke spronge, en ook vanweë sy sterk karakterisering. Hy word ook onthou vir dans en pointe, 'n vaardigheid wat manlike dansers nie gereeld sien nie. Nijinsky was in hoofrolle saam met die legendariese ballerina Anna Pavlova. Daarna werk hy saam met Tamara Karsavina, 'n stigter van die London & rsquos Royal Academy of Dancing. Daar word na hom en Karsavina verwys as die mees voorbeeldige kunstenaars van die tyd. & Rdquo

Nijinsky tree op die verhoog in 1919, op die relatief jong ouderdom van nege en twintig. Daar word vermoed dat sy aftrede 'n senuwee -ineenstorting veroorsaak het, en hy is ook gediagnoseer met skisofrenie. Nijinsky het die laaste jare van sy lewe in psigiatriese hospitale en asale deurgebring. Hy het gedurende die laaste dae van die Tweede Wêreldoorlog vir die laaste keer in die openbaar gedans en 'n groep Russiese soldate beïndruk met sy komplekse dansvermoëns. Nijinsky is op 8 April 1950 in Londen oorlede.

Martha Graham word beskou as die moeder van moderne dans. Sy het die enigste volledig gekodifiseerde moderne danstegniek geskep, meer as honderd-en-vyftig werke tydens haar leeftyd gechoreografeer en het 'n merkwaardige impak op die hele veld van moderne dans gehad.

Haar tegniek en afwykings van klassieke ballet en die gebruik van spesifieke liggaamsbewegings, soos inkrimping, vrylating en spiraal, het 'n groot invloed op die danswêreld uitgeoefen. Graham het selfs so ver gegaan as om 'n beweging en taal te skep wat gebaseer is op die uitdrukkingsvermoë van die menslike liggaam.

Sy het meer as sewentig jaar lank gedans en gechoreografeer, en gedurende die tyd was sy die eerste danser wat in die Withuis opgetree het, die eerste danser wat as 'n kulturele ambassadeur na die buiteland gereis het en die eerste danser wat die hoogste burgerlike toekenning ontvang het, die Medal of Freedom. As moeder van die moderne dans sal sy verewig word vir haar intens emosionele optredes, haar unieke choreografie en veral vir haar tuisgemaakte tegniek.

Alhoewel Josephine Baker hoofsaaklik verband hou met die jazz -era, is haar invloed steeds lewendig en skop byna honderd -en -tien jaar na haar geboorte.

Baie dekades voor Madonna, Beyonce, Janet Jackson, Britney Spears en Jennifer Lopez, was daar Josephine Baker een van die wêreld se eerste beroemdes van Afrika -oorsprong. Josephine reis in 1925 na Parys om in La Revue N ​​& egravegre te verskyn. Sy het 'n behoorlike indruk op die Franse gehore gemaak, met haar eksotiese sjarme en haar talente wat 'n perfekte kombinasie vorm.

Sy het die volgende jaar in die Folies Berg & egravere opgetree, en dit was wat haar loopbaan werklik gemaak het. Sy het verskyn met 'n rok van piesangs, en het die skare getower met haar dansstyl. Sy het later sang by haar daad gevoeg en vir baie jare gewild gebly in Frankryk. Josephine Baker het die liefde van die Franse mense teruggekeer en in 1937 self 'n Franse burger geword.

In Frankryk voel sy nie dieselfde vlak van rassevooroordeel as destyds in die Verenigde State nie. Teen die einde van haar lewe het Josephine Baker gehoop om 'n dorp te bou op haar landgoed in Frankryk, maar hierdie planne stort in duie onder finansiële probleme. Om geld in te samel, keer sy terug na die verhoog. Hierdie terugkeer behels 'n kort, maar seëvierende wedloop op Broadway in die sewentigerjare en in 1975 het sy 'n retrospektiewe vertoning in Parys geopen. Sy sterf in dieselfde jaar aan 'n breinbloeding, 'n week nadat die vertoning geopen is.

Gene Kelly was een van die grootste sterre en grootste innoveerders tydens die goue era van musiekblyspele in Hollywood. Kelly beskou sy eie styl as 'n baster van verskillende benaderings tot dans, insluitend moderne, ballet en tap.

Kelly het dans na teaters gebring deur elke sentimeter van sy stel, elke moontlike oppervlak, elke kamera-hoek te gebruik om uit die tweedimensionele beperking van film te kom. En deur dit te doen, verander hy die manier waarop regisseurs dink oor die kamera, dit word 'n vloeibare hulpmiddel, net soos 'n danser self as die dinge wat dit dokumenteer.

Die nalatenskap van Kelly & rsquos deurdring die musiekvideobedryf. Die fotograaf Mike Salisbury het Michael Jackson gefotografeer vir die voorblad van & ldquoOff the Wall & rdquo in die & ldquoGene Kelly white soks en loafers & rdquo & mdasha handtekening soek na die filmster, wat binnekort die sanger & rsquos se eie herkenbare handelsmerk sou word.

Paula Abdul, wat oorspronklik veral bekend was vir haar dans en choreografie, het na Kelly & rsquos se bekende dans met Jerry the Mouse verwys in haar kitschy video vir & ldquoOpposites Attract, en rdquo, wat 'n laaste tap-dance-uiteensetting insluit. Usher was nog 'n topverkoper-kunstenaar wat eksplisiet hulde bring aan Kelly. Daar sal nooit weer 'n ander soos Kelly wees nie; sy werk bly aanklank vind by geslag na geslag Amerikaanse dansers.

Op agt-en-veertig gaan Sylvie Guillem voort met die wette van ballet en swaartekrag. Guillem het die voorkoms van ballet verander met haar buitengewone gawes, wat sy nog altyd met intelligensie, integriteit en sensitiwiteit gebruik het. Haar natuurlike nuuskierigheid en moed het haar op gewaagde paaie gelei, buite die gewone grense van klassieke ballet.

In plaas daarvan om haar hele loopbaan deur te bring in produksies van ldquosafe en rdquo, het sy gewaagde keuses gemaak, ewe in staat om in die operahuis in Parys op te tree as & ldquoRaymonda & ldquo, of as deel van die baanbrekende & ldquoIn The Middle Somewhat Elevated & rdquo deur Forsythe. Byna geen ander danser het so 'n omvang nie, en dit is geen wonder dat sy die model geword het vir die meeste dansers regoor die wêreld nie. Net soos Maria Callas in die operawêreld, het Guillem die gewilde beeld van die ballerina hervorm.

Michael Jackson was basies die man wat musiekvideo's 'n neiging gemaak het en sonder twyfel die een wat dans 'n noodsaaklike element van moderne popmusiek gemaak het. Jackson & rsquos-bewegings het nou 'n standaardwoordeskat geword in die pop- en hip-hop-roetines. Die meeste moderne pop -ikone, soos Justin Bieber, Usher en Justin Timberlake en mdashadmit, is sterk beïnvloed deur die styl van Michael Jackson en rsquos.

Sy bydraes tot dans was oorspronklik en buitengewoon. Jackson was 'n vernuwer wat hoofsaaklik selfonderrig was en nuwe danspassies op sy begaafde raam ontwerp het sonder die dikwels beperkende gevolge van formele opleiding. Sy natuurlike grasie, buigsaamheid en verstommende ritme het bygedra tot die totstandkoming van die & ldquoJackson -styl.

Die hoofinspirasies van Jackson en rsquos was James Brown, Marcel Marceau, Gene Kelly en mdash miskien vir baie mense verbasend en verskillende klassieke balletdansers. Onbewus van baie van sy aanhangers, het hy voorheen probeer om 'n soortgelyke poging te doen, soos Baryshnikov en Rdquo en Fredquaire, en het hy klaaglik misluk. Sy toewyding aan sy eie unieke styl het hom egter die eer gegee waarna hy gesoek het, en vandag staan ​​hy saam met die ander reuse van populêre musiek, soos Elvis en The Beatles, as een van die grootste pop -ikone van alle tye.

Joaqu & iacuten Cort & eacutes is die jongste inskrywing op hierdie lys, en hoewel hy nog steeds besig is om sy nalatenskap op te bou, was hy een van die min dansers in die geskiedenis wat daarin geslaag het om 'n fenomenale sekssimbool te word, geliefd onder mans en vroue. Elle Macpherson het hom beskryf as & ldquosex on legs & rdquo Madonna en Jennifer Lopez het in die openbaar beweer dat hulle hom aanbid terwyl Naomi Campbell en Mira Sorvino onder die vroue is wie se harte hy (na bewering) gebreek het.

Dit is veilig om te sê dat Cort & eacutes nie net een van die grootste Flamenco -dansers is nie, maar ook die een wat die Flamenco & rsquos -plek in die populêre kultuur vasgemaak het. Sy manlike aanhangers sluit in Tarantino, Armani, Bertolucci, Al Pacino, Antonio Banderas en Sting. Baie van sy aanhangers verwys na hom as 'n Flamenco God & mdashor eenvoudig 'n Sex God & mdashand as jy die kans kry om na een van sy programme te kyk, kan jy sien hoekom. Maar op die ouderdom van vier en veertig bly Cort & eacutes ongetroud en sê dat & ldquoDancing my vrou is, my enigste vrou. & Rdquo

Astaire en Rogers was beslis 'n gedugte dansers. Dit het gesê dat hy haar klas gegee het, en sy het hom seksuele aantrekkingskrag gegee. & Rdquo Hulle het dans baie aantrekliker gemaak vir die massas tydens taamlik preutsse tye. Dit was miskien iets te danke aan die toneelspel wat by die opvoering betrokke was, aangesien Rogers dans met Astaire na die opwindendste ervaring ter wêreld laat lyk het.

Die tydsberekening was ook ideaal, tydens die depressie -era het baie Amerikaners gesukkel om bymekaar te kom, en hierdie twee dansers bied baie mense 'n manier om vir 'n rukkie uit die werklikheid te ontsnap en om pret te hê.

Mikhail Baryshnikov is een van die grootste balletdansers van alle tye wat baie kritici hom as die grootste beskou. Baryshnikov, gebore in Letland, studeer ballet aan die Vaganova -skool in St. Petersburg (destyds bekend as Leningrad) voordat hy by die Kirov Ballet in 1967 begin. Sedertdien beklee hy die hoofrol in tientalle ballette. Hy het 'n belangrike rol gespeel om ballet aan die einde van die sewentigerjare en vroeë jare sewentigerjare deel van die populêre kultuur te maak, en hy was meer as twee dekades lank die gesig van die kunsvorm. Baryshnikov is waarskynlik die invloedrykste danser van ons tyd.

Baryshnikov het die harte van kritici en mededansers aangegryp, maar Rudolf Nureyev het dit reggekry om miljoene gewone mense regoor die wêreld te betower. Gebore in Rusland, het hy op twintigjarige ouderdom solis geword vir die Kirov Ballet. In 1961, toe sy lewe buite die verhoog hom van die Russiese owerhede laat ondersoek het, soek hy politieke asiel in Parys en toer dan saam met die Grand Ballet du Marquis de Cuevas.

In die sewentigerjare breek hy film aan. Die meeste kritici beweer dat hy tegnies nie so goed soos Baryshnikov was nie, maar Nureyev het steeds daarin geslaag om die skare te bekoor met sy ongelooflike charisma en emosionele optredes. Nureyev en Fonteyn & rsquos & ldquo Romeo en Juliet & rdquo bly tot vandag toe een van die kragtigste en emosioneelste optredes deur 'n dansende duo in die geskiedenis van ballet.

Ongelukkig was Nureyev een van die vroeë slagoffers van MIV en sterf hy aan vigs in 1993. Twintig jaar later kan ons nog steeds die ongelooflike nalatenskap sien wat hy agtergelaat het.

Donnie Burns is 'n Skotse professionele danseres wat spesialiseer in Latynse dans. Hy en die voormalige dansmaat Gaynor Fairweather was 'n rekord sestien keer 'n wêreldkampioen in Latyn. Hy was die huidige president van die World Dance Council en verskyn ook in die twaalfde seisoen van Dancing with the Stars.

Hy en rsquos word beskou as die grootste ballroomdanser van alle tye, en sy kampioenskapsvertonings saam met sy maat word nou as klassieke beskou. Maar dinge was altyd so goed vir Burns. Tydens 'n onderhoud met die Daily Sun, het hy toegegee: & ldquo Ek het nooit gedink dat 'n klein seuntjie van Hamilton ooit 'n fraksie sou ondervind wat ek in die lewe deurgemaak het nie. Ek is meedoënloos op skool geterg en ek het gereeld baklei omdat ek wou bewys dat ek nie 'n dansende koningin was nie.

Ons is baie seker dat hy nie sou dink dat die naam wat vandag algemeen op hom toegepas word, nou algemeen beskou word as Donnie Burns as die koning van die dans nie.

Theodoros II is 'n versamelaar van ervarings en 'n regsgeleerde. Hy hou van Geskiedenis, Sci-Fi-kultuur, Europese politiek en die wêreld van verborge kennis. Sy ideale reis in 'n alternatiewe wêreld sou wees na die verlore stad Atlantis. Sy grootste passies sluit in skryf, fotografie en musiek. U kan sy fotostroom hier sien.


Anna Pavlova (1881-1931)

Die beroemde Russiese balletdanser Anna Pavlova is veral bekend daarvoor dat sy die voorkoms van balletdansers verander het, aangesien sy klein en maer was, nie die voorkeur van 'n ballerina gedurende haar tyd nie. Sy word toegeskryf aan die feit dat sy die moderne pointe -skoen geskep het.


Antieke Romeinse musiekinstrumente

Die ClipArt -galery van die Ancient Roman Musical Instruments bied 23 illustrasies van die aulos, buccina, cithara, cornu, cymbalum, fluit, litus, sambuca, tuba en timpanum.

Aulos

"Roman Ivory Aulos gevind in Pompeii, met skyfies en ringe." & mdash The Encyclopedia Britannica, …

Aulos mondstuk

"Bek mondstuk. Gevind in Pompeii." & mdash The Encyclopedia Britannica, 1910

Doedelsak

Buccina

"'N Soort horingbazuin, wat van ouds gemaak is uit 'n skulp, waarvan die vorm in die twee eksemplare uitgestal word …

Buccina

'N Koperinstrument wat in die antieke Romeinse leër gebruik is

Geboë buccina

"Die buccina is gebuig vir die gemak van die kunstenaar, met 'n baie wye mond, om te versprei …

Reguit buccina

'' N Afskrif van 'n ou beeldhouwerk wat uit Blanchini se werk geneem is, behou steeds die oorspronklike vorm van die …

Bugle

Terra cotta -model van Romeinse bugel, 4de eeu

Romeinse Cithara

'N Illustrasie van 'n Romeinse cithara.

Cornu

Roman Cornu. Koperinstrument wat deur die Romeinse leërs gebruik is om bevele in die geveg te gee.

Cornu

Cornu is 'n Latynse woord vir 'n horing.

Simbaal

'' N Musiekinstrument in die vorm van twee halwe bolle wat een in elke hand van die kunstenaar gehou is, en#8230

Dubbele fluit

Musikant wat 'n dubbele fluit speel

Dubbele fluit

Dubbelfluit van 'n voorstelling wat by Herculaneum gevind is

Lituus

'N Lituus, 'n horing wat in die Romeinse godsdiensbeoefening gebruik word.

Roman Bacchhante

Roman Bacchhante speel kastanjette

Sambuca

Driehoekige vorm van die harp

Sambuca

"'N Harp was van oosterse oorsprong. Die optredes van sambucistriae was slegs bekend aan die vroeë Romeine.

Tintinna'bulum

"Tintinna'bulum, 'n klok. Klokke was van verskillende vorme onder die Grieke en Romeine, soos onder ons.

"Tuba, 'n bronsbazuin, het van die cornu onderskei deur reguit te wees, terwyl laasgenoemde geboë was. …

Romeinse Tuba

'N Romeinse Tuba, 'n lang smal horing.

Timpaan

Timpaan

"Timpaan, 'n klein drom in die hand. Hiervan het sommige in alle opsigte soos 'n moderne tamboeryn gelyk.


26 swart vroulike choreograwe en dansers wat u moet ken

Verlede week het Misty Copeland geskiedenis gemaak toe sy die eerste Afro -Amerikaanse hoofdanser in die American Ballet Theatre Company geword het.

Dit is 'n groot rede om die danswêreld te vier, en ook 'n goeie tyd om aandag te vestig op die ander swart vroulike choreograwe en dansers wat die bedryf oorheers. Sommige van hierdie vroue is ikone wat die weg gebaan het vir Copeland se loopbaan, en ander is kollegas wat bydra tot die hede en toekoms van dans.

Kyk na ons 26 swart vroue van hip-hop tot ballet wat ons deur beweging geïnspireer het.

1. Rhapsody James
As u nog nie van Rhapsody James gehoor het nie, moet u dit regkry! Sy het dansroetines vir die beste van die beste gechoreografeer, insluitend TLC (met wie sy hieronder sien), Beyonce, Trey Songs en meer.

2. Kyndall Harris
Sy is net 12, maar Kyndall Harris maak 'n groot sprong op die danstoneel. Onlangs het sy tydens die BET Music Awards saam met Ciara opgetree vir die huldeblyk aan Janet Jackson, en het sy 'n plek gekry op die komende toer van Janet.


Die Ierse Banjo – Musiek, geskiedenis en spelers

Die tenoor banjo is 'n relatiewe nuweling in die wêreld van Ierse tradisionele musiek, ongeveer honderd jaar oud.

Inderdaad, tot so onlangs as in die sestigerjare het hulle skaars in die genre verskyn.

Vandag is 'n tenoorweergawe egter 'n belangrike deel van enige goeie Ierse folkorkes, en hier ondersoek ons ​​die fassinerende en soms onsmaaklike geskiedenis van hierdie interessantste instrument.

Musikale kategorie – Folk Lute

Die banjo val in die kategorie van ‘folk luit ’ – dit wil sê, dit is 'n instrument met 'n klankboks wat trommelagtig is.

Ander van die tipe is die Japannese shamisen en die Persiese teer, om maar twee voorbeelde te noem.

Die oorsprong van die Ierse tradisionele musiekinstrument soos ons dit vandag ken, kan teruggevoer word na die suidelike state van Amerika.

Die ingevoerde slawe het die instrumente gemaak op grond van herinneringe aan diegene wat in hul Afrika -tuislande gespeel is.

Die vroegste weergawes het dikwels 'n klankboks gemaak uit 'n uitgedroogde kalebas met die punt afgesny, 'n trommelkop van 'n diervel en 'n fretlose nek.

Toue is gemaak van taai veselagtige materiale, insluitend ingewande, hennep, draad of selfs gevlegte perdehare.

Anders as die luitjies uit Afrika, was hierdie vroeë Amerikaanse inkarnasies, die voorouers van die Ierse tenoorbanjo, afgestem met penne soortgelyk aan dié wat op 'n viool gevind word.

Geruite geskiedenis in Ierse musiek

'N Klassieke banjo het 'n kort, hoë kantarel (tou) wat eindig by 'n pen aan die kant van die nek, plus 'n aantal snare van volle lengte.

Die hoër snaar is die naaste aan die duim van die speler, en hierdie snaar word voortdurend geslaan tydens die spel.

In die ouer style word die ander snare met die middel- of wysvinger gespeel met 'n afwaartse aksie.

Die tou met 'n hoë duim en die afwaartse speelaksie het hul oorsprong tradisionele Afrikaanse musiek.

Op kontemporêre instrumente is die kort snaar ‘drone ’ die eindstryd van vyf snare, hoewel dié uit die agtiende eeu net drie lang snare plus die kantarel gehad het.

Voor die aanvang van die burgeroorlog in Amerika, word die banjo as 'n tipies Afro-Amerikaanse musiekinstrument beskou.

Teen die laaste helfte van die negentiende eeu het die meerderheid swart musikante dit egter opsy gesit ten gunste van die kitaar.

'N Ander rede vir die afname in gewildheid was die onaangename feit dat die banjo nou verband hou met die skokkende rassestereotipes wat die spelers in swartgesig uitgevoer het wat op daardie tydstip in die gewilde minstreelvertonings opgetree het.

Hoe skokkend dit ook al lyk, hierdie soort vermaak was al meer as honderd jaar lank gewild in Amerika en elders in die wêreld.

Minstrels het klassieke Afrika-ritmes saamgesmelt met vorme van musiek uit Europa, wat die gevolg was van die ontwikkeling van populêre musiek in Amerikaanse styl.

Die instrument wat ons vandag ken, is ongetwyfeld aangepas van die Afro-Amerikaanse bloudruk deur die klinkers.

Virginian Joe Sweeney was die sangeres met die hoogste profiel, en sy gewildheid het bygedra tot die opkoms van die instrument, wat instrumentontwerpers uit die 1850's geïnspireer het om aan 'n vyf-snaar-weergawe te werk.

Ontwikkeling van die Banjo in tradisionele Ierse musiek

In Ierland is die instrument eers in die middel van die twintigste eeu as deel van die tradisionele musiekkanon omhels.

Voordat het die instrument op die periferie geloer, gespeel deur musieksaalkunstenaars en rondreisende musikante.

Die banjo wat uiteindelik sinoniem geword het met Ierse musikante, was nie die weergawe met vyf snare nie (soos begunstig deur die klanke en hillbillys), maar was 'n viersnarige tenoorontwerp.

Die danssale van Ierland en dié oor die Atlantiese Oseaan in New York en verder was die vertrekpunt vir die tradisionele tenoorinstrument wat ons vandag ken.

Die orkeste wat vir die dansers gespeel het, moes Ierse sowel as Amerikaanse musiek uitvoer, en daarom het hulle dikwels 'n tenoorspeler by die reeks gevoeg.

Dansorkeste in Engeland het die Amerikaanse groepe gekopieer, en die gebruik daarvan het noodwendig ook na Ierland versprei.

Die meeste Ierse tenoorspelers in daardie dae was bly om die instrument eenvoudig in 'n kitaaragtige styl te bespuit.

Toe die 1920's aanbreek, het meer Ierse spelers begin om die melodieë van die haspel-, jig- en horingpyp te kies, versier met verskillende soorte ornamente.

In daardie dae was die belangrikste speler Mike Flanagan (van Flanagan Brothers -faam) wat saam met sy broers Louis (harp) en Joe (trekklavier) verskeie opnames neergelê het.

Hulle plate was topverkopers aan weerskante van die Atlantiese Oseaan, en Flanagan se briljante spel het baie Ierse musikante geïnspireer om die instrument te neem.

Eindelose beroep

Die toenemende aantrekkingskrag van die tenoorinstrument het grootliks verband gehou met die volume daarvan. Net soos die trekklavier, was dit hard genoeg om deur die danssaal te sny in die tydperk voordat versterking alledaags geword het.

Die gewildheid van Ceili-bands bereik sy hoogtepunt in die veertiger- en vyftigerjare, gevolg deur diegene wat meer veelsydige mengsels van country-musiek en Amerikaanse pop-styl liedjies gespeel het.

Teen die sestigerjare het die hooffokus van tradisionele musiek na die kroeë verskuif, maar vanweë sy skerp toon was die instrument ewe tuis in lawaaierige kroegsessies.

Vooraanstaande speler

Die instrument het nog 'n hupstoot gekry tydens die folk en Ierse tradisionele musiek herlewing in Amerika, op daardie tydstip het die groot gewildheid van Tommy Makem en die Clancy Brothers gelei tot 'n golf groep balladstylgroepe in Ierland.

Die viertrek-tenoor het 'n vokale advokaat gehad in The Dubliners ’ -speler Barney McKenna.

Dit was die groep wat die praktyk gesmee het om vokale (kitaarrugsteun) saam te smelt met tradisionele rolle en optredes.

McKenna is sonder twyfel die mees vooraanstaande Ierse speler van die afgelope jaar.

Op 'n paar uitsonderings na, het die meerderheid tenoorspelers in Ierland vandag sy voetspore gevolg deur hul instrumente op te pas GDAE – een volle oktaaf ​​onder die mandolien of viool.

Alhoewel dit lei tot 'n toon wat minder helder is as die tipiese CGDA -stemming, het die manier waarop Barney sy instrument gekalibreer het, dit baie makliker gemaak om tradisionele dansmusiek te speel in die sleutels van fluitiste, fluitspelers en pipers.

Namate die tradisionele herlewing van die Ierse musiek tot in die sewentigerjare voortgeduur het, is die tenoorbanjo meer en meer deur instrumentaliste gebruik, en baie kitaarspelers het ontdek hoe goed hul plukvermoë daaraan vertaal is.

'N Klein minderheid pedantiese puriste wat die tenorbanjo minag as 'n te lawaaierige interloper in die Ierse tradisionele musiektoneel. Die meeste hedendaagse musikante beskou dit as 'n noodsaaklike element van enige volksorkes.


Gewilde style

Moderne dans vanaf 1990 tot hede het 'n heel ander benadering gevolg. Sommige choreograwe en dansers sluit in moderne dansstyle hiphop, liriese, vrye styl en samesmelting in, 'n kombinasie van dansvorme soos tap, jazz, modern en ballet.

Aangesien moderne dans gewoonlik uitgevoer word in tematiese choreografiese rye, gee dit 'n boodskap uit. Choreografie van hiphop, samesmelting en dans in vrye styl is geneig om improvisatories te wees en sonder spesifieke temas. Liriese dans kan 'n choreografiese tema hê. Dit leun meer na interpretatiewe dans. Vandag se moderne danschoreografie kan al dan nie interpretatief wees.


Breek hindernisse op die verhoog: Afro -Amerikaanse balletdansers wat geskiedenis gemaak het

Soos ons leer in 'N Ballerina -verhaal, Nelson George se nuwe dokumentêr oor Misty Copeland [kyk op 8 Februarie na plaaslike aanbiedings], Eurosentriese standaarde van liggaamsvorm, spiertonus en velkleur, uitgesluit dansers wat nie pas by die wan -vorm wat van prima ballerina's vereis word nie. Dit het alles verander in die somer van 2015, toe Misty Copeland, 'n opkomende ster wat alreeds die seldsame wêreld van klassieke dans oorskry, die eerste Afro-Amerikaanse vrou geword het wat die hoofdanser in die gesogte American Ballet Theatre, die 75-jarige, aangewys is. grande dame ballet in die Verenigde State.

Mistig jetéed verlede jaar deur meer hindernisse op die Kennedy Center-verhoog toe sy saamwerk met die 28-jarige Brooklyn Mack, wat in die rol van Prince Siegfried gespeel het Swaan meer saam met Misty ’s Odette/Odile, wat die eerste keer was dat twee Afro -Amerikaners die hoofrolle in 'n produksie deur 'n groot balletgeselskap gedans het.

Voor Misty het min Afro -Amerikaners ooit in die hoofpos by 'n groot Amerikaanse balletgeselskap gedans. Almal behalwe een was mans. Desmond Richardson beklee die pos by ABT gedurende die seisoen 1997-1998 en keer later terug as gaskunstenaar. By die New York City Ballet was slegs Arthur Mitchell (1962) en Albert Evans (1995) die hoof. Evans is onlangs op die jong ouderdom van 46 oorlede.

Tog het kleurdansers, vasbeslote ondanks vreeslike vooroordeel, bly staan en pointe op verhoë regoor die wêreld. Hier is 'n oorsig van en salueer sommige van diegene wat die pad voor Misty aangesteek het.

Raven Wilkinson, wat saam met Misty Copeland verskyn 'N Ballerina -verhaal , was een van die eerste Afro -Amerikaanse ballerina's wat toegelaat is om by 'n balletgeselskap aan te sluit. Gedurende die vyftigerjare het sy saam met die Ballets Russes de Monte Carlo gedans onder die voorwaarde dat sy haar as 'n wit vrou sou voordoen deur haar gesig te skilder. Na twee jaar van toenemende rassediskriminasie, insluitend dreigemente in die Suide, het sy Ballets Russes verlaat en uiteindelik 'n plek in die Nederlandse National Ballet gekry.

Uit 'n onderhoud met Wilkinson in Pointe Tydskrif :

Hoe het jy die eerste keer na ballet gekom?

Ek was so klein! My ma het my geneem toe ek ongeveer 5 was om die Ballet Russe de Monte Carlo te sien. Hulle het Coppélia, en ek onthou dat ek so oorweldig was deur die orkes, die gordyne, die ligte, dat ek begin huil het. Op daardie ouderdom was ek te jonk vir die School of American Ballet, so my ma het my na die Dalcroze -skool geneem, waar ek tempi en meter en sulke dinge geleer het - wel 'n jongmens se weergawe daarvan. Later het my ma my gevra of daar 'n spesiale balletonderwyser is waarna ek aangetrek is. Ek het gedink Madame Maria Swoboda is 'n koningin, en ek het saam met haar begin studeer. Die lesse was 'n geskenk van my oom vir my negende verjaardag, onthou ek. Ek was opgewonde oor ballet. Ons het elke somer na die strand in Saybrook, Connecticut, gegaan en as die gety gaan, dans ek op die sandbanke.

Wat het gebeur toe u saam met die geselskap begin toer het?

Vir twee jaar het alles baie goed afgeloop. Ons het baie buitelandse mense in Ballet Russe gehad, baie Suid -Amerikaanse dansers, so ek hoef meestal nie te veel bekommerd te wees nie; ons lyk almal 'n bietjie anders. Ek het 'n paar lekker solo's om te doen, soos die Waltz in Les Sylphides.

Toe begin ek probleme ondervind. Ek onthou een keer in Montgomery, Alabama, het die toerbus die stad ingestorm, en almal het met wit klere en kappies rondgehardloop. Hulle het die verkeer gestop, daar was so baie van hulle. Daar was 'n klapgeluid op die busdeur, en hierdie man spring in sy enjinkap en rok aan. Verskeie groot spanbandige dansers van die geselskap staan ​​op en beweeg na hom toe. Hy het 'n klompie rassistiese pamflette oor die bus gegooi voordat hulle hom verjaag het.

Die middag, toe ons by ons hotel in Montgomery kom, het 'n klomp van ons na die eetkamer gegaan vir aandete. Toe ons instap, was dit vol lieflike paartjies, gesinne met klein kinders - 'n wonderlike gesinsatmosfeer. Toe ek my stoel uittrek, besef ek dat hulle almal Ku Klux Klan -klere op die sitplekke het. Ek onthou hoe ek gedink het: hier is mense wat so wreed en lelik kan wees, en tog is hulle so liefdevol teenoor hul eie gesinne. Op 'n manier het dit my minder bang gemaak vir hulle. Hulle het 'n deel van hul krag in my oë verloor.

Carmen de Lavallade

Soos u uit haar eie biografie kan sien, het de Lavallade 'n wonderlike lewe gehad:

Carmen de Lavallade het 'n ongeëwenaarde loopbaan in dans, teater, film en televisie gehad wat begin het in haar geboortestad Los Angeles en optree saam met die Lester Horton Dance Theatre. Terwyl sy in Los Angeles was, stel Lena Horne die toe 17 -jarige de Lavallade aan die filmmakers voor by 20th Century Fox, waar sy in vier films verskyn, waaronder Carmen Jones (1954) met Dorothy Dandridge en Die kans teen môre (1959) saam met Harry Belafonte. Tydens die verfilming van Carmen Jones ontmoet sy Herbert Ross, wat haar vra om as danser in die Broadway -produksie van Huis van blomme . Haar dansloopbaan sluit in dat sy ballette vir haar geskep het deur Lester Horton, Geoffrey Holder [met wie sy sou trou], Alvin Ailey, Glen Tetley, John Butler en Agnes de Mille.

Carmen de Lavallade volg haar neef Janet Collins op as die hoofdanser by die Metropolitan Opera en was 'n gaskunstenaar by die American Ballet Theatre. Sy het gechoreografeer vir die Dance Theatre of Harlem, Philadanco, die Alvin Ailey American Dance Theatre en die produksies van Porgy en Bess en Die Meistersinger by die Metropolitan Opera.

Janet Collins

Die danser Janet Collins

Janet Collins, soos hierbo genoem, was die neef van de Lavallade en nog 'n grensbrekende ballerina-die eerste Afro-Amerikaner wat die verhoog met die Metropolitan Ballet bekroon het. Voordat sy 'n huis by die Met gekry het, het sy dieselfde rassisme as Ballets Russes in die gesig gestaar as Raven Wilkinson. Hier is 'n nuusblad oor haar debuut in 1950 in Aida :

Arthur Mitchell
Arthur Mitchell was nie net die eerste Afro -Amerikaanse danser in 'n groot balletgeselskap nie, hy was ook die eerste Afro -Amerikaner skoolhoof danser van 'n groot balletgeselskap, wat in 1956 tot die rol van New York City Ballet verhef is. Mitchell het later die beroemde Dance Theatre van Harlem begin.

Hier is 'n stuk van die Columbia -universiteit oor Mitchell, wat sy argiewe aan die skool geskenk het:

Arthur Mitchell dans saam met Diana Adams in “Agon, ” 1957:

Desmond Richardson
Die eerste swart manlike hoofdanser van die American Ballet Theatre, Richardson, het saam met Complexions Contemporary Ballet gedans. Van 'n 1991 New York Times artikel:

Hulle lag toe Desmond Richardson 'n oudisie vir die High School of Performing Arts doen. Hy het nog nooit 'n dansklas gehad nie. Hy was mollig. En al wat hy kon dink om te doen, dans op 'n straatmusiekband, was om die bewegings na te boots wat hy gesien het hoe Mikhail Baryshnikov op televisie optree.

Niemand lag nou nie. Die afgelope twee seisoene is mnr. Richardson deur kritici en gehore uitgesonder vir sy skitterende tegniek en charismatiese teenwoordigheid. Op 22 is hy 'n toonaangewende danser by die Alvin Ailey American Dance Theatre, en Donderdag vertolk hy die Baryshnikov -rol in “Pas de Duke ” in City Center.

In 1990 was Lauren Anderson die eerste Afro -Amerikaanse ballerina wat skoolhoof geword het vir 'n groot dansgeselskap, Houston Ballet. Anderson, nou afgetree, was verlede jaar op die verhoog Swaan meer gordynoproep vier Misty se prestasie.

Meer oor die historiese reis van Anderson:

Cisneros het ook 'n pad geslaan vir vroue van kleur, en het meer as twee dekades lank 'n belangrike figuur in die dansgebied van die San Francisco Bay Area geword. Sy word beskou as die heel eerste Spaanse prima ballerina in die Verenigde State.

[B] ut dit het amper nie so uitgedraai nie. Sy het haar talent per ongeluk ontdek toe haar ma haar aanmoedig om ballet te probeer as 'n manier om die skaamte wat haar eens borrelende persoonlikheid oorgeneem het, te oorkom.

'Ek kon nie eers my hand in die klas opsteek om te vra om na die badkamer te gaan nie,' onthou Cisneros. “My mother and I made a deal: I had to try ballet for a year to see if I really liked it. By the first few months, I was hooked.”

She found a mentor in her first teacher, Phyllis Cyr, and eventually followed her to a new studio to be her apprentice. To pay for the expensive classes, Cyr hired Cisneros’ mother to work at the reception desk.

By the time she was 13, Cisneros was auditioning for the San Francisco Ballet. [Read the rest on NBC Latino.]

Iconic San Francisco columnist Herb Caen called Cisneros “the fairest flower of the ballet.” The picture quality in the video clip below isn’t great, but the beauty of her dance penetrates the grain:

These dancers are all connected, each of them in their own time chipping away at the alabaster mold that had been preserved at the pinnacle of classical dance by racist standards of beauty. Deeply aware of this, Misty Copeland confides in Raven Wilkinson in A Ballerina’s Tale that her quest for excellence transcends artistic achievement. “T he first time I saw you was in the Ballet Russe film, I cried my eyes out, because I didn’t even know a black ballerina of your level existed. And so that was kind of the start of this mission I had, to learn more about black ballerinas, to try and educate other people about who you are, who Janet Collins is.”


Wounded Knee: Conflict breaks out

On December 29, the U.S. Army’s 7th Cavalry surrounded a band of Ghost Dancers under Big Foot, a Lakota Sioux chief, near Wounded Knee Creek and demanded they surrender their weapons. As that was happening, a fight broke out between an Indian and a U.S. soldier and a shot was fired, although it’s unclear from which side. A brutal massacre followed, in which it’s estimated 150 Indians were killed (some historians put this number at twice as high), nearly half of them women and children. The cavalry lost 25 men.

The conflict at Wounded Knee was originally referred to as a battle, but in reality it was a tragic and avoidable massacre. Surrounded by heavily armed troops, it’s unlikely that Big Foot’s band would have intentionally started a fight. Some historians speculate that the soldiers of the 7th Cavalry were deliberately taking revenge for the regiment’s defeat at Little Bighorn in 1876. Whatever the motives, the massacre ended the Ghost Dance movement and was the last major confrontation in America’s deadly war against the Plains Indians.


The History of African-American Casting in Ballet

Ballet has been slow to accept African-American dancers in major companies, and those who make it tend to be offered limited roles.

In the early twentieth century, classical ballet was a relatively new form of art in the United States. Many companies were experimenting with the dance form, and slowly ballet worked its way into the mainstream. In the 1930s, one aspiring dancer, an African-American woman named Janet Collins, watched companies perform at the Los Angeles Philharmonic auditorium. Collins wanted to dance, but ballet classes would not take her, saying she would be taking up space in the class. Collins hired a private ballet tutor instead.

In a review of Collins’s biography, Night’s Dancer, Debra Cash writes, “Some barrier breakers are battering rams. Others are butterflies.” Collins, she suggests, was the latter. According to Cash, Leonide Massine, director of the Ballet Russe de Monte Carlo, told Collins in an audition when she was fifteen that she would have to perform in whiteface if she joined the company. Collins declined and then “went outside and cried her heart out.” After her experience auditioning for the company, she found many directors were hesitant to allow a black ballerina on stage.

Scholars Peter J. Blodgett and Sara S. Hodson write that decades later in 1951, Collins finally earned her big break and became the first black premier ballerina in the Metropolitan Opera Ballet. New York celebrated her and she enjoyed the spotlight in her leading roles. Other companies began to integrate.

The story of Raven Wilkinson is not so different. More than twenty years after Collins’s unsuccessful audition, Wilkinson became the first black ballerina in the Ballet Russe de Monte Carlo. It was quickly after major lead roles in Giselle en The Nutcracker that she also realized the limits of dancing as a black woman. The company told Wilkinson to make her skin appear whiter with powder. Blodgett and Hodson write, “With her light skin, she was assumed by audiences to be white when she performed and traveled with the company.”

Once a Week

After a critical school segregation court decision in 1954, the Ballet Russe de Monte Carlo cancelled tours in the South. There were boycotts and bomb threats after word spread of Wilkinson’s role in the company. She later left the company when members of the Ku Klux Klan attempted to identify her in the company during a performance in Montgomery, Alabama. The company would regularly tour throughout the South and it was a common occurrence to receive threats especially as Wilkinson refused to hide her race.

Dance scholar Nyama McCarthy-Brown explores the slow progress of African-American dancers in American ballet and how issues of casting persist today. She writes, “Dancers [were] being cast in roles because of their skin complexion rather than their technical ability,” as many companies preferred light-skinned ballerinas. Wilkinson would later become a mentor to Misty Copeland, the first African-American ballerina to become principal dancer at the American Ballet Theater. Despite her presence, limited opportunities and passive racism remain unresolved topics in the world of ballet.


Kyk die video: The Aulos (Augustus 2022).